08/10/2017
Hoy es el último día de la exposición “Nuevos caminos sensoriales”, visitaron la muestra LaUnayLaOtra y nos regalaron sus comentarios en una carta a continuación 💜:
“Amigues todxs, Hoy termina la Exposición -Nuevos caminos Sensoriales- expuesta en sala Zócalo de la Biblioteca de Santiago, y por supuesto LaUnayLaOtra estuvieron ahí,esta es una de nuestras cartitas que una le escribió a la otra par invitarla luego de haber estado en la inauguración (hace un buen rato yaa, pero kántigua). Si usted no ha ido puede hacerlo hasta las 17:30 horas y si se lo perdió, -que pena- Puede ser feliz leyendo nuestra crítica con la queridísima José Manuel
Carta de la Una a la Otra
Amiga como estay? Espero que muy bien, te encuentres en buen estado y en perfecta salud
El motivo de este afectuoso saludo es para, por medio de esta carta, comentarte, invitarte, convidarte a que vayas a ver una exposición, de la cual vengo llegando, hoy se inauguró y la energía con la que una quedó es pero fantástica, power, lesbiana!
Bueno pa ordenar el asunto porque aun ando dispersa, te contaré la historia cronológicamente y paso a describir en breve la percepción que marcaron en mi los trabajos de les artistas, (y lo dejo con a* al final y no con e*, porque es una de las pocas palabras que tiene su plural en fémina*) (y una obvia que la va a visibilizar, toda la rata)
Bueno, no me quedaré en puras vueltas, aunque las vueltas son las que dejan dicen por ahí.
Primero, cachay que una llega así toda en gloria, arreglá pa la ocasión, etc, etc y lo primero: un gran abrazo de una amiga me reservo el nombre, para no ser prejuiciado de nepotista, (pero sí, igual una lo es y obvia que uno quiere que a sus amigas les vaya bien y citarlas en todas partes jejej) y en onda kiut* su cálido abrazo nos da la bienvenida y como que se esboza una futura discusión sobre la belleza, elemento interesante a debatir, (me refiero a lo cosméticamente emperifollada que una andaba, debido al cambio de look) gracias a su frase qué bella*, como te decía, se empieza a dibujar una discusión que de seguro da para arto, porque esta chiquilla me dice eso y le contesté apresurada quizás, la belleza es superficial, o eso compartíamos con la Estefi hace un tiempo atrás. En fin todo ese tema da para harto, y bueno mucho se ha escrito sobre eso, que estuve gorda, que estoy muy flaca, pero nadie me puede negar … que es un tema interesantísimo de discutir sobre todo desde el punto de vista de los ciegos/ cachate la volaíta*:
Más adelante estaba mi amiguísima Camila Serrano, curadora de la exposición “Nuevos Caminos Sensoriales” y miembra de la Agrupción CreA, lugar donde nace esta instancia, y me dice “bienvenide quieres un tour por la muestra?” y una así po tan feliz, es que solo imagínate la Cami, quien ya ha curado otras exposiciones en le misme espacie, Sala Sócalo, de la BdS, por primera vez podía movilizarse autónomamente por le lugar, gracias a su silla Alber e-fix .
Nuevos caminos Sensoriales consistía en un hito de cierre de un proceso que vivieron les chiquilles, de la residencia “Arte, creación y resistencia desde la Inclusión”, donde durante un mes, compartieron reflexiones, talleres, encuentros, etc, un complejo habitar desde el planteamiento de la inclusión en el eje de las Artes Visuales, y su propia producción, lo que les llevó a replantearse a si mismes frente a la vida, su comprensión de las cosas y sus propias intenciones creativas. No es menos decir, por lo demás, que dentro del grupo de artistas algunes ya habitan ese sentir, ya sea desde la relación con algún pariente, amigue, o incluso con la propia cuerpa y sus vidas como lo son el caso de les siguientes tres artistas sordes: Alejandra Ayala, Diego Bernachina y Camila Zamora.
Antes de ponerme a comentarte mi impresión obra por obra, quisiera compartir contigo algunas reflexiones que anoté al salir de la puerta en cuanto pude. Lo discordante, raro e incluso mágico o teatral, para no decir performático, que puede llegar a ser todo lo que te comento y describo, es toda una locura, sobre tode para alguien como espectadore que venga desda afuera, de un mundo donde la inclusión se reduce a 0 y que por lo demás viene cargado todo un historial de miedos, prejuicios, preguntas, etc, etc, aprendidos culturalmente y desarrolladles por sí mismo, bajo estas lógicas aprendidas- preasumidas.
También quisiera decirte que pensé al finalizar la inauguración “no hay como el trabajo resultado de una residencia, que hicieron estes artistas” porque por los motivos ya expresados anteriormente, la residencia (cundo no es burbuja) te permite ampliar tu cosmovisión, tu manera de entender el mundo y el habitar en él, la residencia también da pie forzado al diálogo, a la sinergia del trabajo en equipo y repensado.
Antes de que se me quede en el tintero: al recibirnos el texto curatorial estaba escrito en braille y macrotipo, además una pequeña pantalla lo interpretaba en Lengua de Señas Chilenas, atendiendo a las necesidades de adaptación del lenguaje, a veces rebuscado, (del cual somos complices los oyentes) en uno igualmente formal, pero propio en lengua de Señas, con subtítulos que acompañaban las señas del vídeo, para no quedar de reduccionistas ni fascistas en la adaptación de una lengua a otra, porque en ocasiones la “inclusión” es mal hecha si se plantea de una manera simplista, sin embargo este no era el caso, todo lo contrario una Inclusión compleja, en LSCh de verdad y pulenta!
Parto con la Camila Zamora: “Naturaleza Familiar” (técnica mixta, Tela)
Camila expone un rectángulo de retazos, en el lenguaje del bodegón, interés constante en la artista, intervenido como collage, bordado, en tonos azul mezclilla, bello*, delicado, aquello que nos recuerda que la experiencia estética no requiere obligatoriamente de grandilocuencia.
De inmediato lo relacioné con el grabado, el achurado, por medio de los rigurosos hilos que sombrean el dibujo, he aquí la relación con la técnica del dibujo, una ingeniosa, ¿qué digo ingeniosa? una sublime respuesta-solición a la pregunta de ¿cómo hacer inclusivo y apto para tode aquel que interactúe con el problema del dibujo? La línea a través del cocido. Pues si el achurado interpreta volúmenes y texturas, Camila Zamora invierte la acción transformando las líneas en textura; lo cual me parece un trabajo fino, sencillo, de pequeño formato, muy minucioso y de gran oficio, lo que podríamos decir: “elegante” si se quiere, sin caer en conservadurismo propios de los escritos de esta índole, pero no menos bueno por eso, sino todo lo contrario, en ella encuentra el gusto. Y atención que si bien todas estas características, muy virtuosas, o “gráciles” pueden ser asociadas a lo que tradicionalmente se entiende por lo “femenino” en el arte, la artista nos planeta una encrucijada tomando el bordado, históricamente anónimo, de las mujeres, e instalándolo sobre el muro blanco, apelando directamente al cuadro ventana, y a la firma del “genio creador”, eso a grandes rasgos escribo sobre ella tomándome de algunas palabras de la propia curadora.
En contraposición tenemos el trabajo de Alejandra Ayala, No me Toque, quien trabaja desde lo contemporáneo, con una propuesta enfocada en la instalación, Alejandra es escultora, su obra resulta más “ruidosa” si se me permite la comparación, o llamativa, que ocupando casi un ¼ de la sala nos dice literalmente: Aquí Estoy, pregunta entonces por su propio biografema y un cómo plantearse ante un mundo en que se me invisiviliza, todo esto desde el resguardo de una carpa negra con un objeto rojo y extraño dentro, que es parte de la instalación, un lugar donde refugiarse, afuera el caos, ¿Quién me habla?, Líneas tensionadas en divergencia de convenciones.
El caso de los cochallulllos fue anecdótico, se trata de la obra Cuerpo de Masacre de Tatiana Binimelis. Resulta que casi chocamos con los chefs del cattering, quienes son ciegos, como estábamos frente a una performance que se estaba realizando en ese momento, había mucho silencio en el ambiente y una actitud receptiva y de respeto por parte del público asistente, (incluido yo) puede que eso haya causado que los chiquillos no sintieran mi presencia y nos topamos, lo singular es que luego de identificarme, les dije mi nombre y que yo no era una escultura, y ellos rieron, seguimos camino entonces pues me ofrecí de guía y ahí sí chocamos con unos cochallullos y les dije, esto sí es un arte, una instalación, uno de ellos me hizo el alcance con la artesanía, un trabajo que venía realizando él desde un tiempo, entonces recién ahí pude ver que se trataba de tres volumentrías figurativas, que estaban tejidas con cochallullo, recuerdo claramente la mano ,¿Cómo no hacerme sentido la mano tejida si yo vengo de Chimbarongo, y si ésta según el texto curatorial hablaba sobre territorio, gente y paisaje, otsea no po niña, no podía más con mi alegría, aunque claro, no es precisamente de alegría lo que aborda la propuesta de la artista.
Los Chiquillos estaban asombradísimos con la obra que incluía olor, me preguntaron si se podía comer, y yo que no era ni mediador ni nada directamente relacionado con la curadoría les dije sipo que obio, jjajaj nooo mentira, no supe qué decirles, no sabía qué tan relacional podía llegar a ser la pieza, y por respeto a la artista preferí decir que no sabía aunque por dentro me hubiera encantado que todes hubiéramos probado el cochallulle*.
Memoria transversal y Breve paseo por el sentir, dos trabajos independientes pero parte de un todo, de Amaranta Santis; y Dispositivo de Opresión de Kenji Senda (performance instalación). Son dos conjuntos tan distintos entre ellos, como conectados. Partiré por Kenji Senda, quien presenta una propuesta elaborada, enraizada, en las A. Visuales de los tiempos contemporáneos, desplazadas al terreno de la Performance, pero de difícil lectura, o compleja, para expresarlo en mejores términos.
Los conceptos fundamentales (destacables) dentro de D.de Opresión creo son El cuerpo, aunque por cariño le decimos La Cuerpa, la represión y la Gravedad (gravedad o peso) fue lo que pudimos apreciar (esto generalizado) les asistentes.
Una cosa llamativa podría ser lo falocéntrica que resultaba la performance planteada por Senda, sin embargo, parafraseándo a la Sontag, (en su contra la interpretación) esto no es más de lo que hay*, (en esa parte del cañon del vehículo de guerra te acorday?) Por lo cual una no debe andar viendo falos por todas partes, qué creí tú Marilú?
En el caso de Kanji su perfomance apuntaba hacia el -vínculo- entre las personas, en este caso, dos performer, y: como te venía diciendo, una debe desexualizar la situación y darle lectura emocional, sensorial de lo que el artista nos presenta, que consistía en dos dispositivos de gran tamaño que enclaustraban las cabezas de ambas cuerpas y que tenían un pequeño orificio por el cual estos veían, pero además los orificios estaban también intervenidos, es decir, la vista de cada performer era parcial*, dificultada y diferente de su contraparte, agrego que estos dispositivos calzaban entre si por un gran cono que tenía uno que entraba en otro cono que tenía el otro.
Otro aspecto que pudimos percibir era lo engañoso del material con que estaban construidos de cartón reciclado con la técnica de papel maché, y su forma, ambos digamos remitían (no sé si bajo la intención del artista) a un lenguaje plástico Mesoamericano o Inca dijo la otra*.
Kenjy te salvaste de la furia de mi letra femi-lista*(?) solo porque invertiste el acto de “penetración” –aunque para nosotres el ser penetrade no es asunto de poder- o buscamos desprendernos de eso, en el marco de nuestro contexto cultural así se lee y desde ahí invertiste un marco, un paradigma (psicosocial) (socialsimbólico) Socio-representacional.
Mientras que la Performance de Amarata, lamento no haberla podido apreciar desde su origen a fin, por los motivos ya relatados anteriormente (accidente del cochallullo, no soy una escultura), con lo que ví, escuché, vibré y sentí me basta para poder dedicarle estas palabras.
Primero, la artista sentada al centro de un espiral dibujado en suelo, descalza y a torso desnudo toca un diyiridú, su vibrar constante remece la sala, genera un ambiente en el cual los presentes formamos un circulo en silencio a su alrededor y conmovides prestamos atención a su performance, su cuerpa en un estado tan íntimo con su arte, nos envuelve, nos atrae y nos hace parte de esa relación, inmediato una piensa en lo sonoro, la delicia para quienes su percepción está enfocada en lo auditivo, pero a mi me hace eco en el vibrar, inmediato lo relaciono con Resonancia documental realizado por unes amigues sordes y el cual me dejó marcando ocupado, al preguntarnos qué es la resonancia? No es acaso la sintonía-la simpatía entre las frecuencias? Recordé que en clases de física lo único que aprehendí es que existen notas que suenan por simpatía. No es acaso así como funcionamos también les humanes? Les animales, las corrientes y la física?
Al detener su sonar con el instrumento la artista recorre a la inversa su espiral caminando de espaldas y desde su centro a su punto de salida y conexión con el afuera, donde nosotres estábamos, como un umbral. Luego con más detalle pude percatarme que junto al espiral una madera en la pared tallada un corazón, una nuez y otro tallado de un rostro humano, todo conectado entre si por hilos, por último, (o por primero) un mapa conceptual de su proceso de producción, de la cual conociendo el contexto de permeó mucho la frase que la artista instala dentro de aquellos apuntes: distintas formas de abrir una nuez.
Una relación del Arte con el Sentir con algo que excede lo material a pesar de su importancia de lo corpóreo, algo más bien espiritual, en este caso no “pretencioso” (en lo que podría ser los códigos del arte contemporáneo), sino algo que se eleva, que brota desde un plano espiritual. También llama la atención que esta vez en sala Zócalo, así como otras veces también, la performance ocurre ahí, no como cuando uno ve performances pasadas, registros, (cosa que una también hace no?) y que es muy válida por lo demás, pero vengamos a sinceridad, son cosas distintas, cada una en su potencia, cada una en su energía, ya está! Muy en lo personal, solo podría diferir de la utilización del micrófono, para eliminar un cruce tecnológico, por una cuestión mas “pura”, mas propia, sin embargo comprendo que de pronto por las necesidades de la sala, para sentir esa vibración de la que tanto enfoqué el párrafo anterior, era necesario, la pregunta es ¿cómo?
Esto me lleva a mi obra favorita, Suyay Santiago Andino de Pina Pabst, porque en el principio, (acusado por el discurso canónico de la E.de Artes, poco miré con seriedad la obra) Pero ahí estaba, la idea más lógica*, primitiva de composición, se trataba de una instalación de un plinto negro cubierto con un colorido mantel en la cual con detalle estaban dispuestos diversos elementos familiares en un imaginario folklorico que estimulaban los sentidos, todes elles dispuestes a ser apreciados, vinculados, usados y recibidos por nosotres los espectadores, que podíamos, oler, tocar, oir, ver, sentir, probar, etc, etc todas estas piezas de pequeño formato, todo esto dentro de unas cuantas paredes blancas, no olvidemos su contexto. Alguien podría decir, arte relacional, un ready made latinoamericano, que involucra al espectador de manera activa y cercana con la obra, pero yo digo no, esto no necesita nombres afuerinos ni siquiera categoría; me hizo recordar la casa de mi abuela, pudo haber sido su mesa de centro, su tocador o cualquier tipo de mueble, hasta la tele servía para tales fines, todo en perfecto orden, todo sentible, tocable, mirable, olible y comestible, “esto es la erótica del arte me dije”, igualmente sin complicados discursos que la “sostengan” que la emperifollen pa’ vendernos la pomá’ y además autoengañarse que nos gusta algo que solo por ser snob se nos hace interesante pero honestamente poco familiar, era esa mesa diferente con el mantel algo folklorica, todo el barroco metido ahí dentro, la sobre posición de lo sensorial ante lo racional, la armonía de la chimuchina, del mal de Diógenes, bello*, emotivo, quizás para mi) y para otres no; obvia, pero pa’mi fingir lo que siento sólo por parecer intelectual está de demás, cada detalle me asombra y me llama a buscar más cosas, cómo los nombres en lengua Indígena, escritos con letritas para sopas que también estaban dispuestos sobre la mesa, junto a frascos con líquidos aromáticos y bebestibles, instrumentos, y un sinfín de chucherías que vale la pena intrusear; ¿Quién no jugó alguna vez con las últimas letras de la Sopa o las apartó en una orilla del plato desde un principio, creando frases ingeniosas?.
Sobre la Mesa había colgado un aparato raro, táctil para meter la mano, y que por fuera tenía en braile versos de danzas andinas.
Por último Diego Bernaschina, que da para pensar, respecto al tema que has podido notar hace rato vengo esbozando y me interesa desarrollar. Sinceramente a mí no me gustó mucho la obra Triple sentiminto, sin embargo a mi acompañante sí, dijo que era la que más le gustó y la que mejor asimiló de todas las que había, sobre todo en comparación con las performances, cuestión que me genera tantas inquietudes, deseos de abordar investigar y discutir, desde la Educación Artística o de Percepciones, en gustos está todo escrito alguna vez escuché decir por ahí a un caballero de la U, cuestiones que se amplían mucho más si las pensamos estéticamente, desde la filosofía de las libertades y ataduras que nos dirigen en el sentir y en el pensar, recordar que si bien el conocimiento nos abre posibilidades, en el caso del arte, a mi parecer también nos ata y encasilla, no siempre, pero suele suceder.
Lo que pasó con la obra de Diego Bernaschina es un caso difícil de explicar y que amerita más detalle, sus propios escritos, y de que los hay, los hay, ya sea de Ed Artística, lo Kisth, sobre el Gusto, etc, etc, etc.
Finalmente me he reservado a remitirme a las Palabras de la intérprete Karen Shumacher, quien hablaba sobre la desconexión del Muro Blanco y la realidad, quien al terminar de interpretar hizo un apartado y como una de las miembras fundadoras de la Agrupción CreA nos dio su parecer sobre la situación que nos aventurábamos a presenciar y nos dijo algo más menos así:
Como artistas no podemos distanciar el muro blanco de la realidad, o quizás sí, como CreA no queremos hacerlo
Amiga creo que en esa frase radica el real sentido político del Arte, una de las notas más importantes que guardé para decirte a ti y al mundo es que el trabajo cuando está hecho con amor: se nota.
Ahí te la dejo Piter.
Otra cosa esta carta te la empecé escribir el mismo día de la inauguración y te la mando a 10 días de que la cierren, por tanto me parece que debieras considerarlo, además que la Cami hará una visita guiada con su silla súper tecnológica este viernes, a las 15:00 hrs creo que:
…………………………. Es una exposición que tienes que ir a ver(corrijo) SENTIR………..
Luego de recibir el correo, en esto del carteo digital, la otra le responde
Gracias por tu carta amiga, está súper sentida (imagíname guiñando un ojo).
Iré.
Un abrazo.
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Lamentamos la tardía difusión de este escrito el cual se debió a una importante decisión que tuvimos que afrontar como equipo de trabajo. Esperamos y nos comprometemos ser mas inclusivas en nuestras plataformas para lo siguiente que hagamos, se vienen mas sorpresas!!!”
